Персональная юбилейная выставка Г.Т. Клюжина

Майкопский живописец Геннадий Тимофеевич Клюжин - один из старейших художников Юга России. Он признанный мастер жанровой картины, портрета, пейзажа, натюрморта.

Геннадий Тимофеевич родился 11 февраля 1935 года в русской глубинке, в деревне Кочетково Ивановской области. С юных лет он ощутил себя неотъемлемой частицей своей малой родины, с ее завораживающей русской природой, раз и навсегда полюбил своих земляков - простых тружеников, с их нелегкой судьбой и суровыми трудовыми буднями. Чувство сыновней любви к этим людям и к уголку родной земли определило тему его будущих картин.

В 17 лет Г.Т. Клюжин поступил в Ивановское художественное училище, а после окончания работал в Карагандинской сельской школе учителем рисования и черчения. Затем была учеба в Московском художественном институте им. В.И. Сурикова. А в 1967 году после окончания института он был направлен по распределению в Адыгею, в Майкоп, где сформировался как самобытный художник.

Живописца Г.Т. Клюжина с первого момента его творческого становления вдохновляли высокие нравственные идеалы человеческой души в гармонии с первозданной природой. Начиная с первых выставок, еще в студенческие годы, пейзаж и тематическая картина стали главными и любимыми жанрами молодого художника. Еще в 1965 году он представил свою работу «Морозный день на целине» на областной выставке художников в Караганде Казахской ССР. Эта картина отразила не похожее на других восприятие реальности и богатый творческий потенциал начинающего художника: обостренное чутье мастера в удивительном видении им натуры, естественную правдивость, филигранную точность передачи деталей, виртуозное умение обобщать, исключительную способность быстро запечатлевать меняющиеся эффекты освещения.

Г.Т. Клюжина всегда интересовали события, происходящие в стране. Он был современником первых полетов человека в космос, холодной войны и перестройки, взлетов и падения великой империи. Но больше всего его интересовали люди, которые жили и работали в деревнях и станицах, на полях и фермах. С его холстов смотрит на нас Россия, немного патриархальная, живущая по вековым законам, которые действуют и доныне, вопреки всем псевдо- и социокультурным новациям. Он использует сюжеты из жизни рабочих, колхозников. Деревенские будни: засеянные пшеницей поля, фермы, коровники, сеялки, трактора, кузницы, актуальные для 60-80-х годов жанровые сцены - все это написано достоверно и правдиво. Колхозники убирают сено, косят, пашут, чистят коровники, доят коров, копают картошку, строят дома, сидят за обеденным столом, ухаживают за детьми, занимаются домашним хозяйством («Колхозная ферма». 1987; «Колхозная кузница». 1982; «Серый день». 1986; «Семейный подряд». 1987; «Будни на ферме», 1988; «Дом строится». 1981). Активно включаются элементы индустриального пейзажа («Ветреный день». 1978; «Сельский пейзаж (картофелехранилище)». 1982). Пишет художник и стройки, рабочих в промасленных робах, кирзовых сапогах, занятых своим нелегким делом или в момент обеденного перерыва. С натуры делается множество этюдов, которые потом в мастерской объединяются в одно целое, после чего автор картины доводит свой замысел до логического завершения. В результате появляются целые серии реалистических картин, в которых ощущение подлинности и значимости событий сочетается со свежестью и непосредственностью живописных образов, а репортажность – с эпическим по масштабу характером обобщений («Строительство дороги на Лаго-Наки» 1979 г.).

В жанровых работах мы видим стилистическое влияние «сурового стиля», в котором репрезентативно-монументальные черты, героика строительства не исключают внимания к простому человеку. На картине «Утро. Портрет бабы Груни» (1964-1968 гг.) мы видим интерьер избы с русской печью, в которой пылает огонь. Рядом с печью, опираясь на ухват, изображена хрупкая на вид пожилая женщина в простой крестьянской одежде. Мы обращаем внимание на детали интерьера: поленья дров у печи, висящую на печи кофточку, играющего с подолом женщины котенка, ситцевые занавески, фланкирующие изображение и придающие ему что-то вроде театральной мизансцены. Художнику удалось создать атмосферу уюта, и при этом он по-своему монументализирует образ «бабы Груни», придавая ей иконописные черты.

Для художника важны детали быта, окружающие человека, но он не столько летописец, сколько лирик, его работы согреты теплым чувством к своей земле, которая стимулирует его на творчество. Среди жанровых картин лирического плана следует выделить такие работы, как «Внучата» (1975), «Купание (воспоминание о матери)» (1970- 1986 гг.), «Письмо» и др. В работе «Купание (воспоминание о матери)» он снова возвращается к образу русской печки, на фоне которой происходит действие: женщина купает в тазу ребенка. И снова кисть художника одухотворяет этот простой сюжет особой теплотой.

Для Клюжина понятия дома, семьи, очага имеет большое значение. Он наделяет образы своих близких сакральным смыслом. Простой ритуал принятия пищи в картине «Семья художника» (1976-1981) можно рассматривать как символ продолжения жизни. Черты репрезентации в членах семьи указывают на значимость всех изображенных персонажей, к которым художник испытывает неподдельную любовь.

Более сорока лет живет Геннадий Тимофеевич в Майкопе. Полюбил высокогорные, покрытые льдом вершины и стремительные, сбивающие с ног реки, Черное море и выжженные горячим солнцем степи. Природа юга стала для него родной и любимой. Но никогда не забывал он о северных российских просторах, величественных лесных ландшафтах, внешне спокойных реках, медленно несущих среди равнин свои воды. Именно поэтому Дом творчества Союза художников им. И.Е. Репина «Академическая дача» стал для него настоящей творческой родиной, а возвращение к местам своего детства и юности - возвращением в Эдем.

На протяжении нескольких десятилетий Клюжин ездил на «Академичку» и именно там черпал вдохновение, воодушевляясь тем русским духом, которым проникнуты северная земля и ее обитатели. Любовь к земле, на которой он родился и вырос, определила основную парадигму его творчества. А основной культурный дискурс связан с наследованием традиций русской пейзажной живописи конца Х1Х — первой половины ХХ веков. Не идеализируя природу и человека, пейзаж с элементами жанра становится правдивой характеристикой изображаемой эпохи.

Клюжин пишет «чистые» пейзажи и пейзажи, в которых мы видим стаффажные фигуры людей, как правило, занятых своим делом, портреты, натюрморты, тематические композиции. И все это многообразие жанров объединяет любовь к пленэру, свободной живописи, сочному мазку. Этюдность – как основной стилевой прием - позволяет сохранить свежесть впечатления и чувства, сочетать тягу к конкретности с обобщением, способность что-то сказать каждым прикосновением кисточки, сохраняя следы этого прикосновения и не уходя в детализацию. Художник не делает разницы между изображением природы и людей. Он лепит их одинаково широкими свежими мазками, купаясь в материальной стихии красок.

Этюдную пленэрную живопись можно рассматривать, как материал для решения исключительно живописных задач, лабораторию для экспериментов с тоном, цветом, фактурой, воздухом, пространством, перспективой, формой, предметом. Синтезируя язык реалистического искусства и импрессионизма, этюдная живопись свободна от рассудочности, аллегорий, назидательности. Она эмоциональна, в ней живет пантеистическая близость человека и природы, слитность человеческих переживаний с динамикой природных явлений, непосредственность восприятия натуры.

Соединение в работах Клюжина естественности натурных штудий с композиционной структурностью, световоздушных эффектов с сохранением материальности есть следствие его последовательного следования принципам русского реалистического искусства. Именно эти традиции сохранялись и приумножались в Доме творчества Союза художников «Академическая дача», который вновь был открыт для членов Союза художников и молодых авторов после Великой Отечественной войны, в 1948 году.

Именно там молодой художник получил заряд творческой бодрости. Общение с признанными мастерами пейзажного жанра стало для него своего рода университетом. И знания, полученные здесь, он сохранил до сегодняшнего дня. Там, на отчетных выставках работы Г.Т. Клюжина неоднократно отмечались ведущими художниками России. «В работах – живое трепетное ощущение жизни, большая тонкость, цельность, и есть драгоценное чувство – правда», - таково заключение комиссии о результатах творческой работы художника под председательством известного академика Ю.П. Кугача.

Все пейзажи, созданные Клюжиным, можно разделить по принципу: пейзаж-картина и этюд, часто написанный на картоне. Но все они написаны в манере относительно быстрого письма. Он не просто рассматривает ландшафт, а ведет с ним задушевный разговор. В природе видит не пассивную натуру, которую нужно скопировать как можно более точно, но передает свое впечатление о ней. И все же Клюжина нельзя на сто процентов назвать чистым импрессионистом. Он пишет материю, а не воздух, синтезирует ландшафтные виды, а не разлагает их на составные части.

Выбор мотива важен для него. Он находит в природе и сельских улочках то душевное, что отличает русских представителей «пейзажа настроения» - И. Левитана, В. Поленова. Среди «чистых» пейзажей, в которых главенствует природа, следует выделить «Весна на реке Тверца», «Баня», «Июль». «Березки». В них присутствует особый код «русскости» - большое пространство, четко разделенное на планы, позволяющие глазу переходить от переднего плана к заднему, визуально погружаясь в бесконечные российские просторы.

Много раз художник пишет Дом творчества «Академическая», построенный еще И.Е. Репиным. Серии этюдов - зимние, летние, осенние, весенние - передают разное состояние природы и архитектуры. Растворяя человека и здания в ландшафте, он создает цельную, отчасти декоративную среду. При этом сохраняется рисунок и способность компоновать, тональные отношения деревьев, земли, неба. («Дача Репина». 1983, «Зима на Академичке». 1992).

Отдельный разговор о портретной живописи Клюжина и его натюрмортах, которые занимают меньшее место в его творчестве, но столь, же значимы, как и пейзажи. Скульптурная лепка формы, любовь к материальной неповторимости мира, чаще теплый колорит, разнообразие ракурсов и перспективных точек зрения - вот, что характеризует портретное искусство художника и его натюрморты («Автопортрет». 1990, «Натюрморт с рыбой и пивом». 1989, «Сыроежки». 1985). В портретном искусстве художник стремится синтезировать монументальность, подчеркивающую значимые, социальные характеристики портретируемых с усиленным вниманием к передаче индивидуальных черт.

В зрелом возрасте творческий почерк Геннадия Тимофеевича, сложившийся в юности, мало изменился. Разве что пейзажи его, до этого населенные людьми и животными, стали более «пустынными», отчасти печальными. Склонность к светлой палитре и теплому колориту, мажорная цветовая гамма уступила место более сдержанному, монохромному колориту. Появились также более контрастные противопоставления пластических масс. Пейзажи стали панорамными, усилилось стремление к более полному обобщению. Теперь художник иногда видит землю несколько сверху, с птичьего полета.

Расширилась и география его этюдов. Теперь он пишет не только окрестности «Академической дачи» и другие российские ландшафты, виды Северного Кавказа и Кубани, но и парижские улицы, пейзажи Нормандии («Кафе». 2001, «Церковь». 2001, «Яхты и лодки». 2001). Участник Международного пленэра в Нормандии и фестиваля «Русская зима» в городе Левилуе Пере, он привносит в современную западную неоимпрессионистическую живопись русское, менее аналитическое, понимание формы и пространства, ярко выраженную открытость и душевность.

Сейчас художник, невзирая на возраст, полон творческих сил и новых планов. Он остается верным правдивому и непосредственному взгляду на мир. Простота и достоверность продолжают главенствовать в его эстетике, сохраняющей традиции русской реалистической школы.

Искусствовед, член АИС Соколинская Т.И.